리노컷 판화는 부드러운 리놀륨 판을 조각칼로 파내고, 남은 면에 잉크를 묻혀 종이에 찍어 내는 판화 스타일이다. 생성 이미지에서는 'linocut print'를 기본으로 두고, 'bold black carved lines', 'high contrast'로 굵은 선과 강한 명암을 먼저 잡는다. 이 스타일의 손맛은 칼이 지나간 흔적에서 나오므로 'visible gouge marks'와 'hand-printed texture'를 함께 넣어 주는 것이 핵심이다. 잉크가 판 전체에 고르게 묻지 않아 검은 면 곳곳이 살짝 비치는 느낌은 'slightly uneven ink coverage'로 지정한다. 종이는 'cream paper'나 'off-white paper'로 두면 갓 찍어 낸 판화처럼 따뜻한 바탕이 된다.
리놀륨은 원래 미술 재료가 아니라 바닥재였다. 영국의 프레더릭 월튼이 19세기 중반에 개발해 특허를 낸 뒤 주로 집과 건물의 바닥에 깔렸고, 20세기 초 독일 표현주의 미술가 모임 다리파(Die Brücke) 등이 이 재료를 판화에 쓰기 시작했다. 나무보다 무르고 결이 없어 어느 방향으로든 쉽게 깎인다는 점이 매력이었다. 1950년대 후반에는 피카소가 판 하나를 색마다 조금씩 더 깎아 내며 여러 색을 겹쳐 찍는 리덕션 방식 Wikipedia에서 출처 보기 으로 리노컷 작품을 남기면서 널리 알려졌다. 이 방식은 한번 깎으면 되돌릴 수 없어서 같은 판화를 다시 찍을 수 없다는 점까지 판화의 일부가 된다. 프롬프트에 'reduction print style'을 넣으면 색 면이 층층이 겹친 이 느낌을 흉내 낼 수 있다.
실패는 대부분 선이 너무 깨끗할 때 생긴다. 키워드가 부족하면 결과가 매끈한 벡터 일러스트처럼 나오는데, 이럴 때는 'chunky carved outlines'처럼 선의 두께와 거친 끝을 직접 적어 주고 'hand-carved'를 한 번 더 강조한다. 목판화와 헷갈리기 쉽다는 점도 기억해 두자. 'woodcut'을 쓰면 나뭇결 무늬가 함께 생기는데, 리노컷은 결이 없어 넓은 검은 면이 고르고 선이 둥글게 휘어진다. 색은 검정 한 색이나 두세 색으로 제한해야 판화답게 보인다. 'full color'나 'gradient'를 넣으면 판화 특유의 단단한 면이 무너지고 일반 일러스트로 바뀐다.
공방이나 카페의 브랜딩, 독립 출판물 표지, 지역 행사 포스터처럼 손으로 만든 정성과 따뜻함을 전하고 싶은 이미지에 잘 어울린다. 굵은 흑백 대비 덕분에 작은 크기로 줄여도 형태가 또렷해서 SNS 프로필이나 스티커용 그림으로도 쓰기 좋다. 다만 섬세한 표정이나 사실적인 질감을 보여 줘야 하는 이미지에는 맞지 않는다. 칼로 깎을 수 있는 정도의 단순한 형태로 대상을 줄이는 것이 이 스타일의 본질이기 때문이다.
